木木美术馆还将展出塔特尔另一件广为人知的作品《纸八边形》,展厅入口处的作品《无题录像墙》

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木木美术馆于2019年3月16日至6月16日推出“理查德·塔特尔:回赠”艺术展。这是艺术家、诗人理查德·塔特尔在中国的首个展览,由特邀策展人王宗孚策划。一切皆在沉默之下北京对艺术家的重要性可以用他在这里驻留期间写下的一句诗概括:“这座首都依旧隐藏在清晰的视野之外”。以此次展览为路径,观者得以踏上一场特殊的旅程,并在此领略构建了塔特尔创作实践的视觉与非视觉语言。此次由艺术家本人密切参与策划的展览以一百件作品概括了塔特尔长达五十年的创作生涯,聚焦于他“为生活而艺术”的追求、源自西方艺术谱系传统和自身经验的表达风格和在关注现实的同时强调精神性的艺术语言与实践。图片 3展览中的每个展厅分别对应了塔特尔不同阶段、不同方向的探索和经历,在此,艺术家和策展人创造了一个“丛”系统作为此一百件作品的梳理线索:展览共设33个“丛”,每个“丛”内包含三件作品——尽管它们分别来自不同的时期和系列,却因相互组合而构建出一种新的和谐。除过往创作外,观众还将看到一件为本次展览专门创作的大型装置、在北京驻留期间完成的诸多新作和一套包括了十本书的特别出版物。此外,艺术家还以他所设计的一个平面符号和诸多视觉模块构建起整个展览的空间布局。对观者来说,穿行于一条条由展墙所营造的小径之间,展览如同一件完整的作品。图片 4自上世纪60年代中期塔特尔的创作生涯伊始之时,他的作品便打破了雕塑、架上绘画、纸本画作和诗歌等不同媒介的传统定义,他同时也拒绝如极简主义或抽象风格这类艺术史的分类方法。以一种开明的视野与心胸,塔特尔摈除了材料之间高低品质的美学分野,他在脆弱性中发掘张力,也在作品规模与其呈现环境之间的变化关系中找到潜能。自始至今,塔特尔持续地创作具有当代性的作品,同时不断超越此前的范式。1972年,当他的作品《金属线》在纽约贝蒂·帕森斯画廊展出时,一位观众向画廊主帕森斯问道,这件作品是否可以被认为属于极简主义。她不悦地答道:“让这些主义滚蛋吧!理查德·塔特尔是一位伟大的艺术家,他乐于创新。”1975年,他的首个大型研究性个展在纽约惠特尼美术馆举办,艺术家再次在作品规模、创作方法和材料等方面拓展了艺术的定义,他本人在视觉或非视觉的艺术世界的研究探索也更进一步。这也是惠特尼美术馆有史以来最具挑衅性和争议性的展览之一,今天它已然具有了某种传奇色彩。图片 51974年,塔特尔创作了《绳索3》,这件作品第一次展出时便以大胆和果决在艺评界与观者中引起了轰动,而它仅由一根极短的棉质晾衣绳(1.27×7.26×0.95厘米)和将其悬挂在墙上的三枚钉子组成。从这件作品到泰特美术馆涡轮大厅委托创作的长达24米、高达12米的大型装置《我不知道,纤维之语的交织》(2014),塔特尔善于利用作品的规模并将这一元素编织进展览环境,强调了作为场域的艺术和作为语境的艺术之间强大的相互联系。本次木木美术馆的展览中亦有一件曾于1975年在惠特尼美术馆展出的作品——《字母》(“26个”系列,1967)。无论对艺术家的创作历程还是对美国极简主义艺术来说,这件作品都标志着一个重要的转折。根据艺术家的意愿,这件作品的展示形态将由美术馆工作人员决定,由此,作品得以在展期内不断变化,艺术机构和观众也因此被赋予了参与制作和呈现这件作品的机会。木木美术馆还将展出塔特尔另一件广为人知的作品《纸八边形》,这件作品最早曾在上世纪70年代展出,它拓宽了极简主义和特定场域艺术的边界。“八边形”这一系列作品最初所使用的材料是布,之后是纸,最后艺术家还使用了金属线。这种不断将物体本态简化至几何形的创作持续了五年之久,展现了艺术家对打破艺术及其呈现环境的条条框框的不断关注与投入。图片 6这一系列作品的形态是对正方形的四角进行切割所得到的。当作品被直接固定于展墙之时,墙面在轻薄的纸后若隐若现,展览空间得以与作品融为一体,这也成为了有关艺术与建筑如何交汇之尝试的早期案例。图片 7《金属线》也艺术家的先期代表作之一。这是一系列根据美术馆内特定空间创作、每次呈现均不相同的作品。塔特尔形容其为“抓住了某种无法被重复的经验”。这件作品通常保持在塔特尔作品的惯常体量:艺术家将一根金属线的一端固定在墙面,然后沿着其轮廓在墙上画下一条相仿的线条。由此,艺术家在两条线之间构建起微妙的关联,创造了一种近乎虚幻的深度。更早前创作的一系列作品《线》(1990)采用了与此类似的方式用铅笔在展墙上描绘线条,进而使作品与背景环境不分彼此。图片 8在美术馆主展厅,塔特尔创作了一件与整个建筑空间展开对话的大型特定场域装置《繁星论》(2019),它由一层悬吊于5米高空中的手制铝网以及一组由8层棉布叠砌而成的墙面装置组成。而另一系列由艺术家专门为此次展览创作的手制瓷砖作品《地生》(2019)则分布于美术馆的不同展厅中,观者可直接站立、行走于其上。图片 9此外,艺术家还为本次展览设计了一套自成一体的出版物,包括一本大书和嵌入其中的十本小书。正如艺术家先前所设计制作的那些出版物一样,这套书亦介于艺术作品与书籍之间。致力于创作有力度、有生气的作品是塔特尔的毕生追求,这在本次展览中亦有所体现。以非时间顺序的“丛”为全新线索,我们得以更好地理解塔特尔的艺术语言以及他所指的“更进一步了解艺术本质的方式”。图片 10关于艺术家理查德·塔特尔于1941年生于美国新泽西,现工作和生活于缅因、新墨西哥和纽约。他的作品多被纳入全世界最重要的私人和公共收藏之中。其近期回顾展陆续在旧金山现代艺术美术馆、惠特尼美国艺术美术馆、芝加哥当代艺术美术馆、洛杉矶当代艺术美术馆和伦敦白教堂艺术中心展出。他的其他成就包括泰特现代美术馆涡轮大厅的大型委托创作、威尼斯双年展(1976、1997、2001)、卡塞尔文献展(1972、1977、1987)和参展惠特尼双年展(1977、1987、2000)的参展经历等。关于策展人王宗孚是一位独立策展人和展览制作人,现居住和工作在上海、伦敦两地。他是纽约Performa的副策展人,同时也曾担任近期出版的《1960-1990东亚表演史》(DRAF2018)的编辑。近年来,王宗孚策划了在以下美术馆及艺术廊的展览:柏林国立博物馆(2019待展)、上海香格纳画廊(2018)、伦敦白教堂美术馆(2018)、伦敦赛迪HQ画廊(2017)、上海Cc基金会&艺术中心(2017)、上海当代艺术馆艺术亭台(2016)、上海chiK11美术馆(2016)、以及伦敦当代艺术学院(2014)。另外,王宗孚也曾参与策划第十二届哈瓦那双年展(2015)以及第九届上海双年展温哥华馆(2012)。王宗孚在多个大学讲授过当代中国艺术相关课程,如东京艺术大学,考陶尔德艺术学院以及伦敦中央圣马丁学院。他也曾在伦敦皇家艺术学院担任客座讲师。关于MWOODS木木美术馆MWOODS木木美术馆坐落于北京798艺术区,是由收藏家林瀚、雷宛萤(晚晚)和黄勖夫于2014年共同创办的民营非营利美术馆。作为中国本土面向公众的新型全球性艺术平台,MWOODS将定期举办展览,并推出公共活动、艺术出版物以及艺术家驻留计划等项目。美术馆艺术项目主要依托美术馆馆藏,从中国古画石刻到现当代影像装置,以不限于特定时代、地域或媒介的收藏,致力于探寻艺术的普适性、纯粹性及恒久性,从而探索当下美术馆的职责。2015年,MWOODS被官方认证为非盈利的民营美术馆。我们将持续的推出展览与公共教育项目,推动艺术在中国民众中的传播。

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朱田,00:04:19展览现场,2015.

孙逊个展现场,香格纳画廊北京空间,2013

原标题:动物成为主角,戴安娜塔特尔的生存空间探索

在艺术家朱田的大陆首个个展00:04:19中,边界或界限都被反复提及,这个主题更多地是以相当抽象、多元的形态出现在最终呈现的作品中。位于闹市广厦间这座中西合璧的建筑由清代著名企业家黄世金的故居平移重建而成,其本身所具有的空间区隔就提供了富含变奏的各种边界。

经过三个月的驻留创作,艺术家孙逊在香格纳画廊北京空间展出了其名为魔术师党与死乌鸦的个展。诡异的展览名字不禁让观众带有疑惑,同时也勾起人们对其创作的好奇。

波士顿当代艺术中心的全新场馆ICA
Watershedzh正在展出先锋电影、录像及装置艺术家戴安娜塔特尔同名个展,也是该场馆首展。

果不其然,朱田几乎把每一个可用的空间都用尽,她以三个录像银幕围住衔接两层楼的楼梯口,将老楼前后两个阳台完整纳入作品,还在过渡性的天井平台上安放装置,也不吝把最大的展厅留为单件作品的舞台。最末这件名为《1.6米!》(2015)的作品是黑布装置、声响与光的组合场域,将房间以艺术家本人身高为界分为上下两部分,无论是直立还是弓身,观众都可以感受到受限的行走体验,仿佛一个主体性的我内外相交的困境,而黑布上方安置的若干盏射灯每隔25秒随机发出几乎令人难以觉察的闪光,仿佛是为主体边界之外的世界平添了一份若即若离,吸引有心人去探索跨越那边界的可能。艺术家低吟的邓丽君老歌《想起你》不时漫进展厅,靡靡之音与挂在阳台上的那一排艺术家在驻留期间穿过的衣物(《像妓女一样等待,一半羞耻一半悲伤》,2015)同处另一个边界之外,却透过声、光阳台上暧昧的紫色霓虹灯渗透进来,并连接起一个更广阔的外部世界.

在展览的入口处,展出了基于书法折页的艺术家手稿兼创作剧本,其上孙逊以精巧的毛笔字和水墨画记录了创作过程中的诸多细节,其想象力和思考过程也因此以文字和视觉的形式呈现出来。折页中也含有孙逊对他幻想出来的魔术师党的描述,他写到:魔术师党是这个世界上最后的充满理想主义的政党。

戴安娜塔特尔展览现场,波士顿当代艺术中心,2018

三件录像中,除了沿袭今年持续的行为《抱紧策展人》(2015)带有严肃的气氛外,另两件则有着朱田过往作品中鲜见的轻松。《600块一次》(2015)记录了艺术家伫立半空、戏仿超人的威风凛凛,随后却在与吊车司机的讨价还价中落入了尴尬而幽默的反差;《嘿》(2015)则是以车拖拽着降落伞驶于午夜的厦门街头为主要线索,浪漫的气息或许正透露出艺术家欲与这座城市发生关系时所采取的本能形式。纵观整个展览,仅有这两则录像在若干视觉元素上呼应了那隐喻性的展览标题00:04:19。这标题指涉奥地利跳伞运动员Felix
Baumgartner几年前创下的从地球同温层自由落体跳伞纪录所耗费的时长,以及人类突破自身所限的尝试。然而仅从现场来看,观众从视觉与身体上所能体验到的,并未给理解这个标题或主题带来多少直接线索。

主展厅中,巨大的骷髅造型矗立着,充满了压迫感;其旁一个凤凰般的神鸟正要起飞;四周还随处可见乌鸦和鲤鱼的形象,以及腾在空中的龙。这一切都将观众引入进一个精心制造的展览叙事:孙逊构造出的魔术师党与各种错综复杂的关系和人物,以一种剧场似的木偶戏方式显现着。除此,展览中必不可少的是孙逊所擅长的动画录像,而在这个展览上他首次采用了3D技术,让观众佩戴红蓝眼镜对动画投影进行观看。坐在艺术家搭建的观戏台上,透过3D眼镜,孙逊设计的各种人物形象与其驻留创作期间的工作记录影像蒙太奇般的层叠出现,而情节和叙事显得匪夷所思,或许孙逊希望在接下来的创作中进一步讲清这些故事。展厅中的壁画和其它装置作品,关涉了纪念碑,谎言,事件等主题,为理解孙逊的创作提供了视觉线索。画廊的另一间展厅里陈列了孙逊自2004年至2012年的手稿和版画作品。通过这些作品,观众可以发现孙逊关于政治、幻想、叙事、意象的关注与表达。

戴安娜塔特尔的沉浸式装置作品充满整个展馆,使参观者完全笼罩在作品之中。展厅入口处的作品《无题录像墙》,记录了帝王蝶每年从加拿大向墨西哥的迁徙过程。作品通过6部放置在地板上的显示屏进行呈现,让观众既可以置身作品之外亦可参与其中。

这些作品相较于朱田过去的创作略显云淡风轻,它们都是在一个月内与这个朝夕相处的空间中完成,彼此之间、与这个空间乃至艺术家的这段生活都具有丝丝缕缕的关联,从整体上看,也显得相当国际化。而AKP
Space的首个驻留项目选择了朱田这样一位有着复杂文化背景、同时也拒绝任何标签、不带地域特质的艺术家来完成,有其在本地推广和刺激当代艺术发展的原动力。然而要在各地日渐趋同的全球化当代艺术症候群中,倘若能看到更鲜活的在地连接,或许会绽放出与众不同的生机。

孙逊此次展览透露出的是天马行空的想象力和复杂宏大的叙事。他精心营造的艺术系统和展览叙事在这次个展中可见一斑,而关于系统和叙事的进一步了解则有待他更细致的表达。

无题录像墙,波士顿当代艺术中心,2018